Die Grammys

Aug 18, 2023

Foto: Andy Pollitt

Interview

Als Jelly Roll mit seiner neuesten LP „Whitsitt Chapel“ offiziell Country-Territorium betritt, fühlt sich der Rapper und Country-Star wie ein veränderter Mann – und möchte denen Hoffnung geben, die sich verloren fühlen.

Als Jelly Roll zum ersten Mal mit seiner Tochter Bailee in die Kirche ging, suchte er nicht nach Erlösung. Doch als er in einer Kirchenbank saß, wurde ihm klar, dass er die Geschichte seiner eigenen Beziehung zu Erlösung und Religion erzählen musste.

„Außerhalb der Religion ist die Idee, erlöst zu werden, einfach eine großartige Idee. Die Idee, dass wir nicht das sind, was wir sind, ist so mächtig“, sagt Jelly Roll gegenüber GRAMMY.com. „In diesem Moment dachte ich: ‚Ich möchte ein Konzeptalbum schreiben, das meine Reise der Religion, meine Reise der Spiritualität, meine Reise der Erlösung, meine Reise des Fehlverhaltens umreißt.‘“

Der als Jason DeFord geborene Jelly Roll verbrachte ein Jahrzehnt in und außerhalb des Bundesgefängnisses und wurde inhaftiert, als Bailee 2008 geboren wurde. Ihre Geburt war ein Wendepunkt für den Sänger, der 2011 seine Musikkarriere als Rapper begann. Aber der Antioch Der gebürtige Tennesseer liebte Country-Musik schon immer, und als er merkte, dass er singen konnte, versuchte er, Country-Songs zu schreiben.

Was folgte, war Whitsitt Chapel, Jelly Rolls erstes Country-Album in voller Länge. Benannt nach der Kirche, in der er im Alter von 14 Jahren getauft wurde, ist die LP eine zurückhaltende, ehrliche und düstere Analyse – und manchmal auch Verurteilung – seiner eigenen Lebensgeschichte und seiner komplexen Beziehung zur Religion. Ob er in „Save Me“ „Jemand rettet mich, mich vor mir selbst“ anfleht oder darüber nachdenkt, was es bedeutet, aufzutauchen, in „Hungover in a Church Pew“ ist Jelly Rolls Religion eine des Verständnisses, der Vergebung und des Wachstums .

Whitsitt Chapel erweitert die Rohheit seiner vorherigen LP „Ballads of the Broken“ aus dem Jahr 2021 – die Jelly Roll mit „Son of a Sinner“ seinen ersten Nr.-1-Hit einbrachte – und stellt Jelly Roll als einen der faszinierendsten aufstrebenden Stars der Country-Musik vor. Seine ehrlichen Berichte über seine Kämpfe – untermalt von fesselnden, düsteren Vocals und treibenden Country-Trap-Beats – verwandeln seine Live-Shows in packende Auftritte und schaffen eine fast kirchenähnliche Atmosphäre für Fans und den Sänger selbst.

Im Gespräch mit Grammy.com am Tag der Veröffentlichung von Whitsitt Chapel sprach Jelly Roll über die Entstehung seines neuesten Albums, seine Hoffnungen auf eine Reform des Justizsystems und seinen eigenen Weg zur Erlösung.

Nun, zunächst einmal einen schönen Tag der Albumveröffentlichung. Wie fühlst du dich heute?

Oh danke. Es ist besser als ein Geburtstag. Es ist wie bei einem Abschlussball, bei dem man der König ist. Ich war noch nie auf einem Abschlussball, aber ich gehe davon aus, dass es dieses Gefühl ist.

Ihr habt diese Woche das Ryman Auditorium für eure Release-Show ausverkauft. Und ich habe gehört, dass einige Leute diese Show als ein Gefühl beschrieben haben, als würde man in die Kirche gehen. Ich bin gespannt, wie es sich von Ihrer Seite aus angefühlt hat.

Weißt du, Mann, ich finde es toll, dass die Leute das mit einem Kirchenbesuch vergleichen. Weil ich das Gefühl habe, dass wir versuchen, alle Konzerte so zu gestalten. Ich sage immer, meine Shows sind ein bisschen Hip-Hop, ein bisschen Rock, viel Country und ein bisschen wie ein Back-Road-Zelt-Revival.

Wir mischen alles Alte und Neue. Standardmäßig gibt es also viele Genregrenzen. Aber die Wiederbelebung der Nebenstraßenzelte ist nur sozusagen das Thema des gesamten Projekts. Es ist dieses altmodische „Lass uns in die Kirche gehen, lasst uns ein bisschen lautstark machen, lasst uns hier ein bisschen Höllenfeuer und Schwefel veranstalten.“ Und jede gute Sonntagspredigt hat Höhen und Tiefen, Momente, in denen man weint, Momente, in denen man glücklich ist, Momente, in denen man Angst hat, Momente, in denen man aufgeregt ist, und wir versuchen einfach, das in der Show nachzubilden.

Hatten Sie das Gefühl, dort oben zu predigen?

Ich glaube, die Musik predigt, ich rede nur. Sie wissen, was ich meine? Ich denke, die Musik ist die Predigt, ich bin nur der Diakon.

Wann hast du eigentlich angefangen zu rappen und es mit Leuten zu teilen?

Ich habe wahrscheinlich meinen ersten Rap geschrieben, als ich 10, vielleicht 11 oder 12 war. Und ich habe ihn sofort mit meiner Familie geteilt. Ich habe nicht gezögert. Der erste Rap, den ich geschrieben habe, war wirklich beschissen. Und ich rannte mit großem Stolz die Treppe hinunter, die Leute versammelten sich um den Küchentisch und ich sah zu, wie sie sich so verhielten, als ob es anständig wäre.

So wie es die Familie tut. Wie kam es dann dazu, dass Sie auf Country-Musik umgestiegen sind?

Ich wollte schon immer Country-Musik machen, weil ich einfach ein Country-Fan bin. Und ich habe das Gefühl, dass „drei Akkorde und die Wahrheit“ immer die Prämisse meiner Musik war. Ich wusste einfach nicht, dass ich singen kann. Wenn mir mit 20 jemand gesagt hätte, dass ich eine coole Singstimme hätte, hätte ich mir nicht vorstellen können, wo dieses Ding jetzt sein würde. Ich war ungefähr Mitte 30, als ich herausfand, dass ich singen konnte.

Ich machte Karaoke und wir spielten „Old Time Rock and Roll“ von Bob Seger. Ich kam von der Bühne. Und ein Produzent meinte: „Mann, du musst ein Lied machen, in dem du singst.“ Und ich dachte: „Ich hätte das vor 20 Jahren getan, wenn ich geglaubt hätte, singen zu können, ich bin ein schlechter Sänger.“ Er sagt: „Nicht das, was ich gerade gehört habe.“ Ich habe angefangen, daran zu arbeiten, und Sie können sehen, dass ich bei diesem Album „Whitsitt Chapel“ zum ersten Mal hören kann, wie wohl ich mich mit meiner Stimme fühle.

Das Songwriting und alles, die Musik, hat sich weiterentwickelt. So wie ich es sage, folgte die Musik dem Mann: Der Mann veränderte sich und dann veränderte sich die Musik, dieser große alte Haufen menschlicher Ionen hat die Musik einfach mit mir herumgeschleppt, wo auch immer ich am Mikrofon gelandet bin.

Nach diesem Karaoke-Moment hast du „Save Me“ herausgebracht, was ich als deine Brücke zur Country-Musik betrachte.

Das war die große Brücke, das war 2020, und das war der Moment, in dem alles zusammenkam. Aber Sie möchten über großartige Verbindungen als Sänger sprechen – ich musste dieses Jahr neu lernen, wie man „Save Me“ singt. Dies ist das erste Mal, dass ich diese Geschichte erzählt habe. Als ich zum ersten Mal lernte, „Save Me“ zu singen, war es die höchste Stimmlage, die ich singen konnte, und ich griff nach jeder einzelnen Note. Jetzt kann ich Oktaven darüber singen. Jetzt, wo ich höher singe, musste ich lernen, mich wieder an die tatsächliche Tonart des Liedes zu gewöhnen.

Das klingt nach einer kleinen Überraschung.

Es war interessant. Mir war nicht klar, wie weit es mir in den letzten ein, zwei Jahren ergangen war. Aber es hat Spaß gemacht. Es war cool. Weil ich lerne, bin ich noch neu in diesem Bereich. Ich denke, das ist der Grund, warum ich auch so aufgeregt bin, weil ich einfach ein bisschen mehr über die Theorie der Musik verstehe. Ich verstehe die Akkordstruktur besser. Ich verstehe Tonarten, Oktave, Tonhöhe, Kontrolle. Das sind Dinge, von denen ich keine Ahnung hatte, als ich „Save Me“ machte.

Studieren Sie im Rahmen dieses Übergangs Musiktheorie?

Nein, ich spiele nur ein bisschen Gitarre, wenn ich kann, und mache viel mehr akustische Sachen. Meine Tochter spielt ein wenig Klavier, ein wenig Gitarre. Also versuche ich einfach, alles aufzusaugen, was ich kann.

Ich denke, Religion kann viele verschiedene Dinge bewirken. Und es liegt ziemlich zentral zur Whitsitt Chapel. Können Sie mir etwas über Ihre Beziehung zur Religion erzählen?

Ich bin wirklich, wirklich, wirklich, irgendwie gegen Religion. Ich bin überhaupt nicht sehr religiös. Aber ich glaube definitiv an Spiritualität. Ich hatte diesen Gedanken: Wie ich die Kirche betrachte und wie ich sie jetzt sehe, ist anders, als ich sie jemals gesehen habe. Mir wurde klar, dass es eine Gruppe von Menschen ist, die an einen Ort gehen, um eine Gemeinschaft aufzubauen, um Vergebung zu bitten und besser zu werden.

Und wenn es richtig gemacht wird, ist es mir egal, was Sie über Jesus, Gott, Allah oder all das denken, das ist ein unglaubliches Konzept, oder? Dass die Leute hierher kommen mit der Idee, es besser zu machen, besser zu sein und Gemeinschaft zu haben. Und wenn ich das als Erwachsener betrachte – weil ich lange Zeit sauer auf die Kirche war, glaube ich, dass sie Jesus manchmal irgendwie falsch dargestellt hat –, aber wenn ich es verstehe und darauf zurückkomme, erkenne ich, was der Geist dahinter ist.

Aber dann schreibt man auch Zeilen wie „Ich rede nur mit Gott, wenn ich einen Gefallen brauche.“ Können Sie für mich die tatsächliche Spannung in dieser Zeile mit dem, was Sie mir gerade erzählt haben, beseitigen?

Nun, eines Tages saß ich hinten in einer Kirche und hörte Gottesdienstmusik. Und einfach nicht in der Lage zu sein, einen Bezug dazu herzustellen und wo ich mit meinem Wandel und meiner Spiritualität stehe. Und wenn man es aus dieser Perspektive betrachtet, fragt man sich: „Welche Verbindung habe ich, wie würde mein Lied an Gott klingen?“

Und ich habe das Gefühl: „Ich rede nur mit Gott, wenn ich einen Gefallen brauche. Ich bete nur, wenn ich kein Gebet habe.“ Die dritte Zeile in [„Need a Favor“] ist für mich die kraftvollste Zeile: „Wer zum Teufel bin ich also, wer zum Teufel bin ich, der die Rettung erwartet?“ Denken Sie nur an das Wort „erwarten“ in dieser Zeile, den Anspruch darauf. Es ging einfach darum, ehrlich zu sein, wie ich die Kirche sehe, und dann ist da noch mein persönlicher Weg mit Gott, und sie sind definitiv anders. Für mich ging es also darum, diese Musik mit diesem Geist zu schaffen.

Wie kommst du dann dazu, dieses Album nach der Kirche deiner Kindheit zu benennen?

Nun, es begann, als ich mit Bailee in ihre Kirche ging. Bailee ist also meine Tochter, sie war 14, als sie anfing, in die Kirche zu gehen, hatte sie angedeutet, dass sie sich taufen lassen wollte. [Ich dachte], nun, ich sollte nachsehen, zu welcher Art von Sekte sie geht, denn so habe ich damals die Kirche gesehen. Und dann ging ich hin und wurde an die Echtheit erinnert, die auch in diesen Mauern stecken kann. Ich wurde mehr als alles andere an die Menschlichkeit, das Mitgefühl und die Vergebung, die Liebe und die Gemeinschaft erinnert, als ich sie und all ihre Freunde dort beobachtete.

Und als ich 14 war, begann ich darüber nachzudenken, wo ich mich befinde. Ich gehe auch in eine kleine Kirche, in einer kleinen Nebenstraße auf einem Hügel, da gibt es nur diese kleinen Parallelen. Bailee hat zum ersten Mal Marihuana erlebt und sich damit beschäftigt, ich habe sie kürzlich dabei erwischt. Ungefähr im gleichen Alter beschäftigte ich mich mit Marihuana und machte Ärger. Es war nur reflektierend.

Und dann fängst du an, über Erlösung nachzudenken. Außerhalb der Religion ist die Idee, erlöst zu werden, einfach eine großartige Idee. Die Vorstellung, dass das, was wir waren, nicht das ist, was wir sind, ist so mächtig. In diesem Moment dachte ich: „Ich möchte ein Konzeptalbum schreiben, das meine Reise der Religion, meine Reise der Spiritualität, meine Reise der Erlösung, meine Reise des Fehlverhaltens umreißt.“ [Es ist] meine Sicht auf all diese Dinge, von einem 14-jährigen Kind, das sich in der Whitsitt Chapel taufen lässt, bis hin zu dem 39-jährigen Mann, der gerade zugesehen hat, wie sein 14-Jähriger getauft wurde.

Und ich denke, 14 war ein ziemlich großes Jahr für dich, zumindest ein kompliziertes Jahr für dich. Die 14 Jahre Ihrer Tochter, welche Auswirkungen hatte das auf Sie?

Das hat in mir den Wunsch geweckt, aktiv zu werden. Im selben Jahr, in dem ich mich taufen ließ, wurde ich verhaftet, und damit begann ein 10-Jahres-Zyklus der Inhaftierung. Und es geht ihr viel besser. Sie ist so viel besser, als ich es in diesem Alter jemals hätte sein können und wahrscheinlich auch jemals sein werden. Aber das war es auch, was die Drogen ausmachte, denn ich weiß, das sind die Jahre. Ich rede ständig mit Leuten. Sie sagen: „Was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Jahre der Elternschaft?“ Ich sage: „Jeden Tag. Aber wenn es ein Fenster gibt, ist es 14 bis 18.“

Und bei der Ryman-Show haben Sie darüber gesprochen, zur Whitsitt Chapel zurückzukehren, um mit Ihrem Pastor zu sprechen. Was ist passiert, als du zurückgekehrt bist, und was halten sie davon, dass du das Album danach benannt hast?

Es hat meinen Glauben an Dinge wiederhergestellt. Sie holten meine Unterlagen und schickten mir ein Bild meiner Handschrift: Der 14-jährige Jason bittet um Taufe – Sie müssen eine Karte ausfüllen. Und diese Kirche führt diesen Rekord seit 24 Jahren. Verrückt, oder? An diesem Punkt frage ich mich: Ich möchte sie kennenlernen. Können wir uns ein wenig mit ihnen vergnügen? Ich wollte mich mit Pastor Ken zusammensetzen und mich mit dem Rest seiner Mitarbeiter treffen.

Ich bin gespannt, was sie über das gesamte Album denken. Ich habe ihnen ein paar Lieder vorgespielt, die sie liebten. Ihre genauen Worte waren: „Mann, wir sind einfach froh, dass er an uns denkt. Wir denken an ihn, wir lieben ihn. Wir beten für ihn. Wir sind stolz auf ihn.“

Mein Ziel in den nächsten Wochen ist es, sie zu überraschen und an einem Sonntag vorbeizuschauen. Vielleicht sollte ich diesen Sonntag gehen.

Das Timing hat doch etwas gewisses an sich, nicht wahr?

Ja, das hat etwas Ironisches.

Sehen Sie sich, nachdem Sie ein Country-Album veröffentlicht haben, voll und ganz als Country-Künstler?

Ich betrachte mich definitiv als Country-Künstler. 100 Prozent. Meine Frau erzählte mir einmal, dass die Leute sagen würden, ich sei Country, selbst wenn ich irgendwo nördlich von Ohio „Amazing Grace“ singe. Sie meint: „Du denkst vielleicht nicht, dass du Country klingst, wenn du singst, aber ich komme aus Las Vegas und du klingst Country. Wenn du im Haus Lieder singst, wie zum Beispiel ein Katy-Perry-Lied oder irgendetwas im Haus, bist du albern.“ gesundes Land. Meine Frau hat mich deswegen immer geärgert.

Nun, der Witz könnte auf ihrer Seite sein, wenn Sie jetzt ein Country-Album herausbringen.

Ist das nicht toll? Sie liebt es. Was sie am liebsten macht, ist, wenn sie in meiner gedehnten Art spricht, wenn sie den Eindruck ihres Mannes vermittelt, das ist das Beste.

Für wen hast du diese Lieder geschrieben?

Ich habe diese Lieder für alle geschrieben, die sich mit der Dualität des Lebens auseinandersetzen. Zurück zu diesem Sonntagsgottesdienst: An vielen Samstagen bin ich hinausgegangen und habe mich übertrieben. An manchen Sonntagmorgen bin ich trotzdem aufgewacht und aufgetaucht, und das ist die Dualität des Menschen.

Es ist wieder eine Art „Son of a Sinner“. Es geht immer darum, irgendwo zwischen richtig und falsch zu liegen, denn ich glaube, das ist genau der Ort, an dem ich lebe. Ich weiß, dass mein Herz rein ist. Ich weiß, dass mein Geist Recht hat. Ich weiß auch, dass ich wirklich politisch inkorrekte Witze mache. Und manchmal feiere ich, und ich bin ein bisschen albern und unverschämt. Aber ich weiß auch, dass es mir am Herzen liegt, ein Mann des Dienstes zu sein und Menschen zu helfen. Deshalb schreibe ich für diese Art von Menschen, den kämpfenden Dichter des gebrochenen Mannes. Ich versuche immer, die Stimme für die Stimmlosen zu sein.

Und Sie beenden das Album wirklich an dieser Stelle, „Hungover in a Church Pew“, oder?

Ja, das war auf dem Album wichtig, weil ich das brauchte. Denn es gibt Momente, in denen es wie „The Lost“ klingen würde: „Ich bin dafür bekannt, meine Art von Menschen zu finden/ Sie sind nicht unter Kirchtürmen zu Hause.“ Aber selbst während dieser gesamten Reise dieses Albums, alles „Hold on Me“, mein Kampf mit dem Alkohol, mein Liebeslied an meine Frau, „Save Me“, „Need a Favour“, „Dance with the Devil“. Selbst nach all dem fand ich immer noch den Weg zu diesem fröhlichen, mittelschnellen, verkaterten „Sonnenstrahl auf das Buntglasfenster, der Prediger predigt Feuer und Schwefel“. Für mich war es cool, weil ich dachte: „Ich habe dein Feuer und deinen Schwefel gehört.“ Ich bin immer auf der Suche nach Erlösung.

Und auch mitten auf der Straße, ein Fuß an zwei Stellen, oder?

Genau.

Ich bin gespannt auf mehr von Ihrer Hintergrundgeschichte. Du gehst wirklich offen damit um, ein Sträfling zu sein. Und es ist etwas, das für Ihre Identität von zentraler Bedeutung ist. Ich bin gespannt auf die Entscheidung, dies im Vordergrund Ihrer Identität zu halten.

Nun, ich werde die ganze Zeit daran erinnert. Daher denke ich, dass mein Ziel jetzt darin besteht, während ich ständig daran erinnert werde, dass ich die Menschen daran erinnern möchte, dass man sich ändern kann. Ich habe vor vier Monaten versucht, ein Haus zu kaufen, wurde aber wegen meiner Straftaten abgelehnt. Ich beschäftige mich noch heute damit.

Ich denke, es geht jetzt eher darum, die Aufmerksamkeit auf die Sache zu lenken und eine Art Justizreform herbeizuführen. Meine unentschuldbaren Verbrechen, die ich begangen habe, als ich 16 Jahre alt war. Weißt du, ich habe nicht wie ein Mann gedacht, der sich die letzten 20 Jahre davon abhalten lassen sollte.

Was sollen die Leute darüber verstehen?

Ich denke, dass wir das Jugendstrafsystem einfach noch einmal überprüfen müssen, wenn wir unsere Bemühungen auf Disziplin oder Rehabilitation konzentrieren. Und ich denke, das betrifft auch die Drogensuchtpandemie in Amerika. Richten wir unsere Aufmerksamkeit richtig auf die Rehabilitation? Finden wir schon alternative Mittel? Können wir akzeptieren, dass der Krieg gegen Drogen ein Krieg war, den wir verloren haben? Meine Geschichte ist nur ein Versuch, die Aufmerksamkeit auf diese Themen zu lenken. Und mein Ding ist, ich glaube nicht, dass es eine Einheitslösung für alle gibt. Selbst wenn es um mein Verbrechen geht, denke ich, dass diese Dinge von Fall zu Fall entschieden werden sollten.

Letztendlich haben Sie den Erlös Ihrer letzten Show in der Bridgestone Arena gespendet. War das bei verschiedenen Jugendprogrammen oder bei der Jugendstrafanstalt, in der Sie eingesperrt waren?

Wir bauten ein Atelier in der Haftanstalt, in der ich mich befand, und gewährten einigen örtlichen High-School-Schülern Stipendien. Ich wollte die gefährdeten Jugendlichen nicht nur auf inhaftierte Kinder beschränken. Weil ich glaube, dass es gefährdete Kinder gibt, die diese Entscheidung noch nicht getroffen haben, aber auch nicht wissen, wie sie aufs College gehen sollen. Ich möchte auch diesen Problemen helfen.

Was erhoffen Sie sich von dem, was dieses Geld bewirken kann?

Ich hoffe, dass es einen sicheren Raum für Kinder schaffen kann, in dem sie Musik machen und sich ausdrücken können. Aber das ist für mich insofern wichtiger, als ich hier einen 10-Jahres-Plan habe, den ich ändern möchte. Ich möchte Gruppenheime eröffnen, schließlich möchte ich Nachsorgeprogramme und Gemeindezentren eröffnen. Ich möchte andere handwerkliche Tätigkeiten in die Jugendeinrichtung einbringen, in der ich war. Ich habe mit Musik angefangen, weil es das ist, was ich weiß. Aber ich hoffe, dass ich das Friseurhandwerk und das Schweißen einbeziehen kann, was auch immer ich einbringen kann, um diesen Kindern zu zeigen, dass sie es vielleicht anders angehen können.

Liegt das daran, wie weit Sie gekommen sind?

Ich denke, das liegt daran, wie weit ich gekommen bin und an der Fähigkeit, etwas zurückzugeben. Ich will helfen. Wer bist du, wenn sich dein Leben so dramatisch verändert hat und du nicht versuchst zu helfen?

Fühlen Sie sich wie ein anderer Mensch als zu der Zeit, als Sie angefangen haben, Musik zu machen?

Ich bin so ein anderer Mensch. Man kann es in der Musik hören. Das sieht man im Zeugnis. Verdammt, ich bin stolz zu sagen, dass es mir heute besser geht als vor einer Woche. Ich habe bewusst Entscheidungen und Entscheidungen getroffen und Dinge erkannt, die mir nicht gelungen sind. Ich mache jeden Tag eine Selbstinventur.

Es ist nur die Idee, die ich durch verschiedene Programme gelernt habe, das Konzept, auf Dinge zurückzublicken und jeden Tag eine Selbstinventur zu machen: „War ich nett? War es mir egal? Was habe ich getan, was sich nicht richtig anfühlte? Habe ich etwas gesagt?“ Ich bereue es gesagt zu haben? Habe ich nicht jemanden angerufen? Habe ich nicht etwas gesagt, was ich hätte sagen sollen?“ Es wird Sie dankbar machen. Es wird Sie auch bescheiden halten. Denn manchmal lautet die Bestandsaufnahme nur: „Wofür bin ich dankbar? Was ist in den letzten 24 Stunden passiert, wofür ich dankbar bin?“

Nun, in den letzten 24 Stunden gibt es vielleicht ein paar Dinge, für die Sie dankbar sein können.

Whooo, diese letzten 24 Stunden sind voll. Es wird mich ins Wochenende tragen. Ich darf jetzt ein paar Fehler machen. Nein, ich mache nur Witze. Es ist dieses Gleichgewicht, oder? „Es ist okay, ich habe mir eine Nacht voller Rücksichtslosigkeit verdient.“

Nun, der Sonntag steht vor der Tür, oder?

Amen.

Lernen Sie Bailey Zimmerman kennen, den größten neuen Star des Landes, der immer noch nicht glauben kann, dass er berühmt ist

Foto: Jason Kempin/Getty Images

Besonderheit

Während vom 8. bis 11. Juni 80.000 Country-Fans Nashville erobern, feiern Genre-Legenden, Hitmacher und Newcomer das 50-jährige Jubiläum des CMA Fest, indem sie ihre Lieblingsmomente auf und neben der Bühne noch einmal Revue passieren lassen.

​​Hier gerieten die Fans einst ins Kreuzfeuer eines albernen Streits zwischen Tracy Lawrence und Kenny Chesney. Hier gab Garth Brooks 23 Stunden lang ununterbrochen Autogramme. Hier traf Craig Morgan Miranda Lambert zum ersten Mal, als sie noch ein junger Fan war, und Patty Loveless stand in der Schlange, um ein Autogramm von ihrem zukünftigen Kollaborateur Vince Gill zu bekommen. Hier wurde Lainey Wilson klar, dass sie für Country-Musik geboren wurde.

Dieser Ort ist das CMA Music Fest, und dieses Jahr feiert „The Ultimate Country Music Fan Experience“ 50 Jahre, in denen Fans und Künstler im Herzen der Country-Musik, Nashville, Tennessee, zusammengebracht werden. Ursprünglich als Fan Fair bekannt, wurde die Veranstaltung von WSM Radio und der Country Music Association ins Leben gerufen, um den Fans ein einzigartiges Erlebnis zu bieten – obwohl es sich auch um einen cleveren Marketingtrick handelte, um die Fans davon abzuhalten, die jährliche Country-Musik-Discjockey-Convention, eine Branchenmesse, zu versenken. einzige jährliche Veranstaltung. Mittlerweile kommen jedes Jahr mehr als 80.000 Country-Musikliebhaber aus der ganzen Welt nach Nashville, um ihre Lieblingsstars zu sehen.

Die erste Fanmesse im Jahr 1972 lockte 5.000 Country-Musikliebhaber in das Municipal Auditorium von Nashville, und 1982 rechtfertigte ihr Wachstum einen Umzug auf das Nashville Fairgrounds. Im Jahr 2001 zog sie in die Innenstadt und belegte zahlreiche Standorte, darunter das Nissan Stadium, den Riverfront Park und die Music City Center – offiziell zum CMA Music Festival und später zum CMA Fest.

„Das Erfolgsgeheimnis des CMA Fest ist die Erhaltung der ursprünglichen Fanmesse“, sagt Sarah Trahern, CEO von CMA, gegenüber GRAMMY.com. „Die Tradition und die einzigartige Verbindung zwischen den Fans und den Künstlern wird während unserer gesamten Veranstaltung gefeiert, und es wird zu einem bedeutsamen Teil der Karriere eines Künstlers, sagen zu können: ‚Ich habe auf der Riverfront Stage gespielt, oder ich habe im Nissan Stadium gespielt und war dabei.‘ der Fernsehsendung.' Die Magie dessen, was das CMA Fest heute ist, beruht auf der Geschichte und dem Herzen, das vor fünf Jahrzehnten geschaffen wurde.“

Trahern hat aus erster Hand gesehen, wie wichtig das CMA Fest für die Fans ist, und eines ihrer persönlichen Highlights jedes Jahr sind überraschende Sitzplatz-Upgrades. „Ich erinnere mich besonders an ein Jahr, in dem wir die Anordnung des Bodens aufgrund einiger beschissener Probleme mit dem Stadion geändert hatten, und ein Fan war besonders verärgert darüber, dass wir ihre Sitze verschoben hatten, obwohl wir sie in einen näheren Bereich verlegt hatten“, erinnert sich Trahern. „Später fanden wir heraus, dass sie die Asche ihres Mannes mitgebracht und einen Teil davon unter ihren Sitz im Stadion gelegt hatte, weil sie zusammen zur Fanmesse kamen. Das hat mir die Kraft unserer Veranstaltung noch einmal vor Augen geführt, wirklich ein Teil der Menschen zu werden.“ Leben."

Es wird auch Teil der Karriere von Country-Künstlern. Das CMA Fest ist der Ort, an dem viele Künstler entdeckt werden, wo sie zum ersten Mal auftreten, wo sie Meilensteine ​​feiern und wo sie mit den Fans unschätzbare Erinnerungen sammeln. Wie Morgan es ausdrückt: „Wenn Sie beim CMA Fest auftreten, wissen Sie, dass Sie für diejenigen auftreten, die Sie am meisten lieben.“

Bevor das CMA Fest am 8. Juni seine 50. Ausgabe startete, teilten einige der Legenden und Newcomer der Country-Musik ihre schönsten, urkomischsten und manchmal peinlichsten Erinnerungen an das CMA Fest.

Graham DeLoach: Das erste Mal beim CMA Fest zu spielen war gelinde gesagt erfreulich. Wir hatten in den Monaten vor der Show unseren Sound wirklich verfeinert und uns als Künstler herausgefunden, sowohl auf der Bühne als auch bei der Aufnahme eines Albums im Studio. Ich erinnere mich, dass es fast regnete, aber als das Wetter klarer wurde und wir endlich die Bühne betraten, erlebten wir als Band einen entscheidenden Moment. Wir waren mehr denn je darauf eingestellt und spielen vor einem echten Publikum, das gekommen ist, um echte Musik zu hören. Es war eine große Abwechslung zu den Barräumen, mit denen wir in den Jahren zuvor durch Amerika getourt waren. Daher markieren wir unser erstes CMA-Fest als einen entscheidenden Moment für A Thousand Horses.

Michael Hobby: Meine schönste Erinnerung führt mich zurück ins Jahr 2015. Wir traten auf der Chevy-Bühne direkt vor der Bridgestone-Arena in Nashville auf. Es war superheiß draußen und die Sonne brannte auf alle, aber die Atmosphäre war immer noch von der Aufregung aller Fans geprägt. Es war ein großer Moment für uns als Band. Unser Debütalbum „Southernality“ wurde der Welt vorgestellt und unsere Single „Smoke“ war gerade auf Platz 1 gelandet. Ich werde nie vergessen, wie die Menge uns die Texte zu all unseren Liedern vorsang, und das Album war gerade erst erschienen ein paar Tage. Dieser Tag hatte alles, was ich an Musik liebe – ihre Fähigkeit, Menschen zu bewegen, sie zusammenzubringen und diese unvergesslichen gemeinsamen Momente zu schaffen.

Bill Satcher: Ein Jahr lang bat uns ein Fan an einem Signierstand, ein Autogramm zu geben und unseren Bandnamen auf ihren Arm zu schreiben. Danach erzählte sie uns, dass sie es sich später am Tag tätowieren lassen würde. Tatsächlich kam sie im nächsten Jahr wieder zum selben Signierstand und ließ sich unseren Bandnamen handschriftlich auf den Arm schreiben.

Die Fanmesse war für uns zu Beginn unserer Karriere immer etwas Besonderes. Wir waren unterwegs und spielten Konzerte, und unsere Mutter Frances lud unsere Cousine Sylvia und meine beiden ältesten Söhne Jesse und Noah ein und machte sich auf den Weg nach Nashville, um unseren Fan-Messe-Stand zu dekorieren. Wir trafen sie dort und verbrachten die nächsten Tage damit, die Fans jeden Tag der Veranstaltung stundenlang zu treffen und zu begrüßen.

Wir haben so viele Künstler getroffen, die bis heute Freunde geblieben sind. Wir trafen sogar die Forester Sisters auf der Fan Fair und nahmen schließlich gemeinsam ein Duett auf, „Too Much Is Not Enough“, das auf Platz 1 landete.

Wenn die Fanmesse vorbei war, machten wir uns auf den Weg zu Alabamas June Jam in Fort Payne. Das CMA Fest gefällt uns auch, aber normalerweise sind wir in dieser Zeit jedes Jahr viel in Europa, also kommen wir nicht mehr so ​​oft dorthin wie früher.

Unsere Mutter lebte für diese Jahreszeit. Sie liebte es, unseren Stand aufzubauen und alle neuen und alten Künstler kennenzulernen – ich glaube sogar, dass sie wahrscheinlich mehr Künstler kannte als wir. Wir treffen immer noch Leute, die unsere Mutter von damals kannten.

(LR) Frances Bellamy und Loretta Lynn auf der Fan Fair. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von David Bellamy

Die Oak Ridge Boys reichen bis zu den Anfängen dessen zurück, was damals Fan Fair genannt wurde. Meine schönste Erinnerung an diese Tage war mein Auftritt im Jahr 1982 nach „Elvira“ und „Bobbie Sue“. Es war erstaunlich, den Andrang bei den Shows und am Autogrammstand zu sehen. Ich bin dankbar, dass wir auch nach all den Jahren immer noch ab und zu dabei sind.

Ben Chism: Dies ist unser erstes Jahr beim CMA Fest. Es bedeutet mir, Chris und unseren Familien die Welt. Als wir die E-Mail bekamen, dass wir zum CMA Fest eingeladen waren, erzählte ich es meiner Frau und sie hüpfte einfach auf und ab. Sie hat 10 Jahre darauf gewartet und ich auch. Chris auch. Familienangehörige aus dem ganzen Land kommen zu uns, um sich dieses 25-minütige Set anzusehen, weil es ihnen genauso viel bedeutet wie uns.

Es ist einfach ein tolles Gefühl, rauszugehen und die Leute beim CMA Fest zu treffen. Das Wichtigste, was Chris und ich immer gesagt haben, ist: „Hab niemals Angst, zu uns zu kommen und mit uns zu reden. Wir gehen den ganzen Tag spazieren und reden mit dir.“

Chris Ramos: Als heranwachsender Musiker dachte ich immer, dass es das Coolste überhaupt wäre, beim CMA Fest spielen zu dürfen. Es ist definitiv ein karriereentscheidender Moment. Es gibt verschiedene Leute, die sagen: „Der entscheidende Moment meiner Karriere war, als ich als Headliner im Nissan-Stadion auftrat.“ Wir verstehen das, aber nebenbei ist es eines dieser Dinge, die, wenn sie passieren, auf der Bucket List stehen. Ich wollte mir einfach eine Minute Zeit nehmen und die Tatsache in mich aufnehmen, dass wir von der CMA zum CMA Fest eingeladen wurden. Sprechen Sie über die Erfüllung von Berufswünschen!

Mein erstes Erlebnis beim CMA Fest verlief völlig unkonventionell, da ich letztes Jahr zum ersten Mal nicht nur auftrat, sondern auch dabei war. Ich hatte das Privileg, auf der Chevy Riverfront Stage und mit einer meiner Lieblingsbands, Lady A, auf der Hauptbühne auftreten zu dürfen. Es war eine verrückte Erfahrung.

Vor dem Chevy Riverfront-Auftritt passierte auch etwas Lustiges – ich wollte gerade auf die Bühne gehen und zerbrach meine Brille. Da ich keine Ersatzbrille hatte, musste ich für den Auftritt die Sonnenbrille meines Stylisten aufsetzen. Was für eine tolle Zeit es trotzdem war!

Meine bisher schönste Erinnerung an das CMA Fest ist das Spielen im Ascend Amphitheatre mit meinen Labelkollegen. Warner Music Nashville hat ein fantastisches Line-up zusammengestellt, und es ist eine Show, die ich nie vergessen werde. Das CMA Fest ist so einzigartig, weil es so viele Künstler und so viele Fans an einem Wochenende an einem Ort zusammenbringt. Es ist eine großartige Gelegenheit, mit Fans zu interagieren und Erinnerungen zu schaffen, die Sie nie vergessen werden. Ich liebe es, Fans im ganzen Land zu treffen und zu hören, wie sie uns beim CMA Fest entdeckt haben!

Mein erster Auftritt beim CMA Fest fand 2014 auf der CMA Close Up Stage im Music City Center statt und es war großartig. So sehr die Show „Nashville“ von den Fernsehzuschauern und der Stadt Nashville selbst angenommen wurde, war dieser Auftritt für mich der erste Eindruck davon, wie beliebt sie bei der Gruppe geworden war, die vielleicht am wichtigsten war: den Country-Fans. Der Laden war voll, die Fans waren großartig und ich fühlte mich gesegnet, mit ihnen zusammen zu sein und auch meine und Deacon-Songs zu spielen. Ich lächle immer noch, wenn ich nur daran denke.

Ich kann Ihnen ganz einfach meinen Lieblingsmoment erzählen. Es war im Jahr 2016. Ich hatte, wie alle anderen auch, kürzlich die schlechte Nachricht gehört, dass Nashville, die Serie, die mich nach Nashville gebracht und mein Leben völlig verändert hatte, nicht für eine fünfte Staffel von ABC ausgewählt wurde. Das war eine schwer zu schluckende Pille – nicht nur für diejenigen von uns, die an der Show gearbeitet haben, sondern auch für die echten Nashvillianer und die Country-Musikfans, die die Show so sehr lieben gelernt haben.

Für mich war es kein geringer Trost, an diesem Tag die Riverfront Stage zu betreten, um beim CMA Fest aufzutreten. Es war ein heißer, aber wunderschöner Sommernachmittag, und das Flussufer war vollständig mit tollen Nashville-Fans bedeckt, die, wie ich, noch nicht ganz bereit zu sein schienen, sich zu verabschieden. Sie schütteten ihre Liebe aus – umso mehr, als ich meine Co-Stars Clare Bowen und Chris Carmack mitbrachte, um ein paar Lieder zu singen. Sie jubelten und sangen mit uns ihre Lieblingslieder aus der Show, die sie schon so sehr vermisst hatten. Das war unglaublich unvergesslich.

Aber was es noch übertriebener machte – ganz übertrieben – war, als Leslie Fram und Cody Alan von CMT zu mir und meinen Freunden auf die Bühne kamen und überraschend ankündigten, dass Nashville tatsächlich NICHT enden würde. Noch nicht! CMT nahm es für Staffel 5 [und schließlich für Staffel 6] auf. Die Menge tobte. Und die Show ging weiter!

Jennifer und ich haben am 11. Juni geheiratet, daher würde unser Hochzeitstag höchstwahrscheinlich während der Fan Fair/CMA Music Fest stattfinden. An einem unserer frühen, wenn nicht ersten Jubiläen war ich auf der Fan Fair. Natürlich war Jennifer bei mir. Ich arbeite. Es war auf dem Messegelände. Wir hatten gerade Juice Newton unter Vertrag genommen und sie erfuhr, dass es unser Jubiläum war. Sie sang „The Sweetest Thing“ und widmete es uns. Das war ziemlich cool und sehr süß von ihr.

Ich werde die erste Nacht, in der ich in Nashville landete, nie vergessen. Es war der Dienstag des CMA Fest. Ich ging zum Broadway und es war, als wären alle meine musikalischen Träume eines Aussie-Country-Boys auf einmal wahr geworden!

Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich einen Stand auf der Fan Fair hatte. Es war so aufregend. In diesem Jahr war Alabama ein großer Erfolg und die Fans schrien nach ihnen. Bald darauf landeten meine Platten an der Spitze der Charts und ich wurde gebucht, um für ein paar Jahre alle ihre Konzerte zu eröffnen. Was für ein Nervenkitzel und ein riesiger Schub für mich! So dankbar!

Ein von Vince Gill (@vincegillofficial) geteilter Beitrag

Als Fan Fair noch auf dem Tennessee State Fairgrounds stattfand, war ich am Stand von RCA Records und gab mit einigen anderen Künstlern Autogramme. Diese Frau kam durch die Leitung und ich unterschrieb etwas für sie, und ich glaube, wir haben ein gemeinsames Foto gemacht. Dann sagte sie zu mir: „Eines Tages werden wir zusammen Aufnahmen machen.“ Und ich dachte: „Na gut.“ Es stellte sich heraus, dass es sich bei dieser Frau um Patty Loveless handelte! Am Ende haben wir auf vielen Platten des anderen gesungen, darunter auch auf unseren ersten Nr.-1-Hits. Sie sang Harmonien bei „When I Call Your Name“ und ich sang bei ihrer Single „Timber I'm Falling in Love“.

Ich erinnere mich noch gut an meine allererste Fanmesse im Jahr 1995, weil die Schlange so lang war und ich es einfach nicht glauben konnte. Ich glaube, wir waren acht Stunden dort und haben Autogramme gegeben. Ich war erstaunt und einfach so dankbar. Ich war noch ein sehr junger, naiver Landjunge, und ich erinnere mich nur noch daran, dass ich völlig überwältigt war, als ich sah, dass so viele Leute da standen, um mich zu treffen.

Country-Fans sind die Besten! Ich erinnere mich an ein Jahr, in dem ich davon sprach, dass ich so oft auf Tour war, dass ich keine Zeit hatte, nach Hause zu gehen und meine Socken zu waschen oder so etwas, und dann begann ich plötzlich, bei allen Shows Unterwäsche und Socken mitzunehmen eine Weile. Es war ziemlich lustig.

Bevor ich meinen Plattenvertrag unterzeichnete, war ich viele Male beim CMA Fest – damals noch Fan Fair genannt – gewesen, aber 1995 war es anders. Meine erste Single „What Matter Most“ war gerade auf Platz 1 gelandet, und als ich auf die Menge von 60.000 Menschen blickte, die sie aufführen wollten, konnte ich mich nicht mehr zusammenhalten. Die Tränen begannen in mir aufzusteigen, und das war alles, was ich tun konnte, um das Lied durchzustehen. Zu hören, wie die Leute mir meine Texte vorsingen, gibt es nichts Vergleichbares, selbst heute nicht. Worte können es nicht beschreiben.

HunterGirl (r.) und ihre Mutter beim CMA Fest 2022. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von HunterGirl

Die lustigste Fan-Interaktion im letzten Jahr fand beim Meet and Greet am Autogrammstand statt. Jemand kam und bat mich, ein Bild zu signieren, und als ich nach unten schaute, war es ein altes Foto, mit dem ich in der High School für meine Musik geworben hatte. Dann brachten immer wieder Leute das gleiche Foto zum Signieren mit und ich fragte: „Wo habt ihr das alle her?“ Sie sagen alle: „Die Dame in der hinteren Ecke hat sie rausgeschmissen.“ Ich schaute hinüber und es war meine Mutter, die sie jedem gab, den sie sah. Es war, als würde sie am Broadway Mixtapes verteilen. Ich habe noch nie so viel gelacht. Meine Mutter ist die Beste.

Das erste Jahr, in dem ich im Stadion war, war ziemlich großartig. Ich und Hank Jr. haben „Born To Boogie“ gemacht. Es waren ich und er und Justin Moore. Es war einfach großartig, weil ich mit Hank Jr. aufgewachsen bin und wir zusammen auf Tour waren, also war es eine großartige Kameradschaft. Dann habe ich „Buy Me A Boat“ gemacht und es war gerade auf Platz 1, das war also eine tolle Zeit.

Ich hatte viele lustige Fan-Begegnungen. Ich bin ziemlich locker, aber die Leute haben manchmal große Angst, Hallo zu sagen. Manchmal merke ich es, also beginne ich das Gespräch einfach, weil ich merke, dass sie Hallo sagen oder ein Bild oder so etwas wollen. Und ich denke immer: „Sei Luke Bryan“, weil Luke immer sehr freundlich zu Menschen ist. Deshalb habe ich immer versucht, mich an Leuten wie ihm zu orientieren. Dafür ist er einfach eine tolle Vorlage. Behandeln Sie Menschen so, wie Sie selbst behandelt werden möchten.

Wenn ich also bemerke, dass jemand reden möchte oder so aussieht, als würde er vielleicht ein Foto machen wollen, mich aber gerade vorbeilassen, weil er mich nicht belästigen will, sage ich ihm einfach: „Hey, hör zu, das tust du nicht.“ Das stört mich. Wir ziehen heute Morgen alle unsere Hosen auf die gleiche Art und Weise an, und wenn Sie ein Foto möchten, können Sie es sich auch gleich besorgen. Das ist der perfekte Zeitpunkt.“ Ich schätze, wie respektvoll die Leute in 99 Prozent der Fälle sind, aber es macht mich auch wahnsinnig, dass nur weil ich Lieder singe und Hits habe und in der Öffentlichkeit stehe, das nicht bedeutet, dass ich kein normaler Mensch bin. Ich bin wahrscheinlich normaler als die meisten Leute, die ich kenne. Wenn du mich also da draußen siehst, komm und sag „Hallo“.

Meine schönste Erinnerung geht zurück auf die Zeit, als sie Fan Fair hieß und auf dem Messegelände stattfand. Allen Künstlern wurde ein Stand zugewiesen und wir waren den ganzen Tag dort, was aus zwei- bis dreistündigen Signierstunden sowie Auftritten und Performances bestand. Alle Künstler würden versuchen, sich mit unserem Standaufbau gegenseitig zu übertrumpfen. Wir machten uns auch gegenseitig Streiche. Einmal lieferten sich Kenny Chesney und ich in unseren Kabinen einen albernen Streichelkampf.

Mein erster Auftritt war 1992 auf dem Messegelände. Sie bauten die Hauptbühne auf der Rennstrecke auf, und mein Produzent James Stroud schenkte mir eine blaue Harley, um den Goldgewinn von Sticks and Stones zu feiern. Es war also nicht scheiße.

Tracy Lawrence auf der Fan Fair 1992. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Tracy Lawrence

Als ich zum ersten Mal beim CMA Music Fest auftrat, durfte ich mit Josh Turner bei der Stadionshow auftreten, ein Moment, den ich nie vergessen werde. Im Laufe der Jahre habe ich viele verschiedene Veranstaltungen beim CMA Music Fest durchgeführt und es hat immer Spaß gemacht. Die Fans, die dabei sind, sind großartig und Musik ist wirklich an jeder Ecke zu hören. Ich freue mich, ein Teil der Geschichte des CMA Music Festival zu sein. Die Veranstaltung ist wirklich legendär.

Fans lieben Country-Musik und sind sehr hingebungsvoll. Am besten erinnere ich mich daran, wie ich etwa zwei Stunden lang am Polygram/Mercury-Stand auf der Fan Fair saß und wahrscheinlich ein Autogramm gab. Einmal war Mama bei mir und ich hatte meine kleinen Sharpies und meinen kleinen Stapel Bilder vor mir und niemand kam vorbei. Schließlich sahen dieser Mann und diese Frau über meinen Kopf hinweg zu meinem Namen auf, sahen mich an und gingen zu mir und Mama sagte: „Mach dich bereit! Mach dich bereit!“ Und sie kamen zu mir. Ich sagte: „Kann ich Ihnen helfen?“ und sie sagten: „Wissen Sie, wo das Badezimmer ist?“ Das war mein Einstieg in die Fan Fair. [Lacht.]

Von allen Genres, in denen ich tätig war – Broadway, Fernsehen, Kino und in der Modebranche – sagt jeder immer, wie nett die Leute vom Land sind und wie dankbar die Fans und die Künstler ihren Fans gegenüber sind. Wenn wir also zum CMA Fest zurückkehren, wird nur deutlich, wie sehr die Künstler ihre Fans schätzen und die Fans der Country-Musik die Künstler und Entertainer schätzen. Ich bin stolz, Teil der Country-Musik zu sein und Teil einer Gruppe zu sein, die einander wertschätzt und einander nicht als selbstverständlich betrachtet.

Meine liebsten CMA-Fest-Erinnerungen sind die Fanclub-Partys, die ich früher mit meiner Mutter veranstaltet habe. Sie hat sich schon Monate im Voraus darauf vorbereitet und ich konnte sehen, wie die Fans ihr mit ihrer Liebe so viel Freude bereiten. Vielen Dank für diese Erinnerungen. Sie bedeuteten uns beiden so viel.

Ein Jahr lang spielte ich im Stadion mit Gips am Bein. Irgendwo ist ein Bild von mir, wie ich mit meinem gebrochenen Bein, das an den Seiten des Stadions hängt, auf die Dachträger klettere.

Als ich noch jünger war, als ich einmal beim CMA Fest spielte, erinnere ich mich an eine junge Dame, die mich um ein Autogramm bat. Ich unterschrieb etwas für sie und wir unterhielten uns ein paar Minuten. Jahre später wurde diese junge Dame ein großer Star der Country-Musik: Miranda Lambert.

Ich freue mich sehr, wieder beim CMA Fest aufzutreten. Letztes Jahr war ich auf der Spotlight-Bühne der Fan Fair X und es war eines der ersten Male, dass ich Fans meine Lieder vorsingen hörte. Dieses Jahr darf ich auf der Chevy Riverfront Stage und der Nissan Stadium Platform Stage spielen, was wirklich aufregend ist!

Ich kann mir kein anderes Event vorstellen, bei dem Fans aus der ganzen Welt anreisen, um Live-Country-Musik zu hören. Es ist etwas ganz Besonderes, wenn Menschen aus unterschiedlichen kulturellen und geografischen Regionen zusammenkommen, um ihre Liebe zu ihren Lieblingsliedern und -künstlern zu teilen. Ich kann es kaum erwarten, das CMA Fest zum ersten Mal vollständig zu erleben und einen kleinen Western in das Programm aufzunehmen.

Mehr lesen:Ian Munsick bringt mit „White Buffalo“ den Westen in die Welt

Mein Favorit war mein erster, und ich glaube, das war das erste Mal, dass ich in der Innenstadt war. Ich war 21 und bei Mercury Records. Ich trug ein ärmelloses Michael-Jackson-T-Shirt, das ich mir von einem Freund zu Hause geliehen hatte. Ich war so nervös, aber ich erinnere mich, dass es wirklich das erste Mal war, dass ich vor einem so großen Publikum gespielt habe. Ich war tagelang voller Adrenalin!

Ich habe eine lange Geschichte mit dem CMA Fest, die bis in die späten 90er Jahre zurückreicht, etwa zwischen 1996 und 1997. Ich hatte lange Haare und einen Cowboyhut. Ich war vielleicht 18 Jahre alt und begann meine Karriere. Ich hatte einen Stand. So hast du es damals gemacht. Du würdest diese Kabinen in diesen wirklich heißen Gebäuden aufstellen, und du würdest dort sitzen und den ganzen Tag schwitzen und sagen: „Bitte, sieh mich an, sieh mich an! Lass mich etwas für dich unterschreiben, das dir egal ist!“ " [Lacht.]

Das sind meine ursprünglichen Erinnerungen an die Fan Fair, und im Laufe der Jahre mit dem CMA Fest ist mir aufgefallen, dass heutzutage eine ganz andere Atmosphäre beim CMA Fest herrscht. Es ist eine große Show, eine große Stadionshow, die schon immer zu meinen Lieblingsbeschäftigungen gehörte.

Wir haben „Tequila Makes Her Clothes Fall Off“ vor 40.000 Menschen im Stadion beim CMA Fest uraufgeführt und es, glaube ich, im Regen gesungen. Ich habe viele schöne Erinnerungen an die Auftritte des CMA Fest auf allen Bühnen, Riverfront, Stadium Stage, CMT Stage vor Bridgestone, und ich hatte auf allen eine Menge Spaß. Das ist das Wunderbare am CMA Fest – es gibt dort so viele Fans, die so viele Dinge unternehmen, dass man überall ein tolles Publikum antreffen wird.

Meine schönste Erinnerung an das CMA Fest ist das Nissan-Stadion. Luke Bryan und ich durften die Sendung tatsächlich gemeinsam moderieren, und es war ein unglaublicher Moment. Wir haben mit so vielen Künstlern gesprochen, die ich vor den Proben noch gar nicht kennengelernt hatte, und natürlich hat es so viel Spaß gemacht, zusammen mit Luke als Co-Moderator aufzutreten.

Im Laufe der Jahre hatte ich eine Menge lustiger Interaktionen mit Fans. Das Peinlichste für mich war jedoch, als ein Typ sagte: „Hey, kannst du kommen und das Ding für mich unterschreiben?“ Ich dachte, dass er auf sein Motorrad zeigte, also holte ich meinen Filzstift und signierte die Stoßstange seines Motorrads. Dann machten mich [meine Brüder] Reid und Neil darauf aufmerksam, dass er tatsächlich auf das T-Shirt zeigte, das über seinem Motorrad lag. Er hat mich tatsächlich nicht in Echtzeit gesehen und ich wusste nicht, wie ich es ihm sagen sollte, also bin ich einfach verlegen in den Tourbus zurückgekrochen, weil ich nicht wusste, was ich tun sollte.

Vor ein paar Jahren wurde ich von vielen Fans mit Cody Johnson verwechselt. Ich habe einfach mitgemacht. [Lacht.]

Als Fan habe ich Morgan Wallen im Regen auf der Riverfront Stage auftreten sehen und es war unglaublich. Er hatte damals nur „Up Down“ als Hit und es inspiriert mich immer wieder, weiter zu arbeiten und zu wachsen. Man weiß nie, wohin ein oder zwei Lieder einen führen werden. Als Künstler letztes Jahr im Stadion spielen zu dürfen – mein erstes CMA-Fest, auf dem ich als Künstler eingeladen war – war so demütigend und ein großer Streich von der Wunschliste.

Ich habe so viele Fans, die mich immer bitten, ihr Wappen zu signieren, und dann lassen sie es sich tätowieren. Es ist ein großer Druck, aber gleichzeitig auch urkomisch. Engagement ist immer Stufe 10!

Eine meiner ersten Erinnerungen an das CMA Fest ist, dass ich Keith Urban im Stadion spielen sah, als ich etwa 12 Jahre alt war. Ich war jung, aber da wusste ich bereits, dass Musik mein Leben sein würde, also hatte ich die Absicht, genauso viel zu lernen so gut ich konnte von seiner Live-Show.

Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie klein er das riesige Stadion wirken ließ. Es gibt nicht viele Künstler, die so gute Entertainer sind, dass ich als Künstler vergesse, sie anzuschauen, und mich ganz natürlich als Fan darauf einlasse, aber er ist einer von ihnen. Er ist so einnehmend. Ich erinnere mich, dass ich gehofft hatte, dass ich eines Tages die Chance haben würde, bei vielen Menschen diese Einstellung zu meiner Musik zu wecken.

Die Fans machen das CMA Fest so besonders. Sie haben eine unglaubliche Leidenschaft für die Musik und die Künstler. Es gibt nichts Vergleichbares. Sie geben für Sie ihr Bestes, und das weckt in Ihnen den Wunsch, für sie noch mehr zu tun. Bei einem der ersten CMA-Feste, auf denen ich gespielt habe, kam ein Typ mit einem Kot-Emoji-Hut vorbei, um sich jeden meiner Auftritte anzusehen. Du konntest ihn nicht verfehlen. Ich erinnere mich, dass ich es nicht jedes Mal zusammenhalten konnte, wenn er hereinkam. Einfach unglaublich witzig und wir haben uns darüber verbunden. Ich habe es immer noch nicht vergessen.

Jeannie Seely gibt auf der ersten Fanmesse 1972 Autogramme. Foto: Barry Amato

Wenn ich an die erste Fanmesse zurückdenke, erinnere ich mich, wie aufgeregt ich war, so viele wundervolle Fans an einem Ort zu unterhalten! Es war auch aufregend, Zeit mit so vielen anderen Künstlern verbringen zu können, darunter einige, die man nicht oft zu sehen bekam, und einige, die ich noch nicht einmal getroffen hatte. Ich war voller Ehrfurcht, als ich allen anderen beim Auftritt zusah, und war stolz, unsere neue Paketshow mit Jack Greene präsentieren zu dürfen.

Dottie West und ich hatten eine tolle Zeit, uns gegenseitig auszugeben, nur um die verwirrten Gesichtsausdrücke der Leute zu beobachten, während sie versuchten, es herauszufinden. Wir haben sogar Radio-Promos für einige der DJs gemacht. Die Künstler waren sich damals so verbunden und wir hatten so viel Spaß zusammen. Die Fan Fair gab uns auch diese Gelegenheit. Es wurden viele Geschichten erzählt, Gitarre gezerrt, Kleidung und Schmuck geteilt und Erinnerungen geschaffen. Manchmal frage ich mich, ob die Fans genauso viel Spaß hatten wie wir!

Meine liebste Erinnerung an das CMA Fest ist, dass ich die verschiedenen Bühnen spielen durfte. Sie sind alle auf ihre Art cool. Ich habe beim Fest angefangen, Solo-Akustikmusik zu spielen, was Spaß macht, weil diese Fans normalerweise kommen, um Künstler und Songs zu hören, die für sie neu sind. Jetzt können wir mit einer kompletten Band auf der Chevy Riverfront Stage spielen, und hoffentlich wird das Publikum meine Lieder mitsingen, das ist so eine Party!

Eines unserer ersten Besuche in Nashville war das CMA Fest. Ein Freund von uns hatte schließlich zwei zusätzliche Tickets für den letzten Tag der Stadionshows und es regnete in Strömen. Wir waren immer noch so glücklich, mit 60.000 anderen Country-Fans beim magischsten Festival aller Zeiten im Nissan-Stadion zu sein. Wir konnten nicht glauben, wie viele Leute da waren! Wir hielten Müllsäcke über unsere Köpfe und sangen die ganze Nacht lang alle Country-Lieder mit, mit denen wir aufgewachsen waren.

Wir haben kürzlich zum ersten Mal in London gespielt und mehrere Leute sagten uns, dass sie es kaum erwarten können, uns beim CMA Fest spielen zu sehen. Es hat wirklich deutlich gemacht, wie global die Veranstaltung ist!

Mann, es hat mein Leben verändert, über Nacht von einem Niemand zu jemandem zu werden und direkt nach dem Sieg bei American Idol direkt zum CMA Fest zu gehen. Ich war schockiert, wie viele Leute mich erkannten, mich auf der Straße anhielten und mein Lied mitsangen! Ein unglaubliches Gefühl, das ich nie vergessen werde.

Mein unvergesslichstes Erlebnis beim CMA Fest war wirklich magisch. Nur wenige Augenblicke bevor ich im Jahr 2022 die Bühne betreten und auftreten wollte, erhielt ich den Anruf, dass bei meiner Tochter die Wehen einsetzen würden. Es war ein überwältigender Gefühlsrausch, als ich wusste, dass meine Familie größer wurde und ich bald Großeltern werden würde. Dieser Moment erfüllte mich mit einem unglaublichen Gefühl von Freude, Liebe und Vorfreude. Es erinnerte mich an die Kraft der Musik, Menschen zusammenzubringen und wertvolle Erinnerungen zu schaffen, die ein Leben lang anhalten.

Seit ich 14 war, ging ich jedes Jahr zum CMA Fest. Meine Eltern nahmen mich dorthin mit, damit ich mich buchstäblich inspirieren lassen konnte. Sie würden es wie einen Familienurlaub machen, wirklich nur für mich. Für mich und meine Familie fühlte es sich wie Country-Weihnachten an.

Als ich endlich das CMA Fest spielen durfte, fühlte es sich ehrlich gesagt wie eine dieser außerkörperlichen Erfahrungen an, weil ich so lange davon geträumt hatte. Jeden Sommer gingen wir hin und ich saß dort. Ich würde nicht vor Aufregung auf und ab springen und meine Mama würde zu mir herüberschauen und fragen: „Hast du Spaß?“ Die Wahrheit ist, ich habe es einfach aufgesaugt. Ich jubelte und brüllte nicht. Ich habe nur versucht, etwas zu lernen und die Leute auf der Riverfront-Bühne und auf der Hard Rock-Bühne zu beobachten und dann an diesem Abend ins Stadion zu gehen und mir kleine Tipps und Tricks zu holen.“ Ich habe mich wirklich weitergebildet und jede einzelne Minute davon genossen. Als ich dann tatsächlich die Chance bekam, es selbst zu tun, dachte ich: „Verdammt! Wir sind angekommen!“ Wir haben noch einen langen Weg vor uns, aber wir sind auf dem richtigen Weg.

Country-Musik bringt Menschen zusammen. Natürlich sind Country-Musikfestivals überall dort, wo man ihre Wurzeln verortet, etwas Besonderes, aber es hat etwas so Magisches, für Leute in einer Stadt zu spielen, in der die Musik gemacht wurde, und das Team von Leuten dort, die diese Musik vorangetrieben haben, die gespielt hat zu diesem Lied. Das spürt jeder, wenn er zum CMA Fest in die Stadt kommt. Du spürst es bis ins Innerste auf eine andere Art und Weise.

Ich habe zu viele Lieblingserinnerungen, um sie aufzuzählen, aber ich muss mich auf das Jahr beschränken, in dem wir den Ernest Tubb Record Shop Midnite Jamboree wiederbelebt haben und Vince Gill, Brothers Osborne, Brandy Clark, Eric Church und andere zur weltweit ersten Country-Musik brachten Plattenladen am unteren Broadway. Die Menge drängte sich drinnen zusammen, wo uns die Klimaanlage nicht kühler als 115 Grad machen konnte. Wir hatten Polizisten auf Pferden vor der Tür, als wir das CMA Fest drei Nächte hintereinander schließen mussten. An diesem Samstagmorgen sah ich, wie die Sonne aufging, bevor ich zu Bett ging! Am Sonntagmorgen war es schließlich Zeit für meine Donuts and Jam-Fanparty – und ich schaffte es gerade noch rechtzeitig, mit meiner damals neuen Hündin Peggy Sue.

Eine meiner Lieblingsgeschichten ist die Geschichte meines ersten Jahres beim CMA Fest als Solokünstler. Wissen Sie, ich hatte ein wenig zu großes Vertrauen in meine Popularität. Ein Paar kam auf dem Bürgersteig auf mich zu und zeigte auf die Kamera, als wollten sie ein gemeinsames Foto machen. Als ich auf sie zukam, um ein Foto zu machen und Autogramme zu geben, zeigten sie auf den Elvis-Imitator hinter mir und fragten: „Macht es Ihnen etwas aus, unser Foto mit Elvis zu machen?“ [Lacht.] Eine Lektion in Demut, sage ich dir!

Das CMA Fest ist einzigartig, weil es keine andere Community gibt, die mit der Country-Musik-Community vergleichbar ist, und keinen anderen Ort, der mit Nashville vergleichbar ist. Unser gesamtes Geschäft basiert auf der engen Beziehung zwischen Künstlern und Fans, und das CMA Fest ist im Grunde Nashvilles jährlicher Tag der offenen Tür. Sie können einen Geist der Dankbarkeit, Aufregung und Liebe in der Luft spüren. Als Sängerin erinnere ich mich daran, wie glücklich ich mich schätzen kann, Country-Musik zu machen, und als Fan erinnere ich mich daran, wie glücklich ich bin, Country-Musik als Soundtrack für mein Leben zu haben.

Ich bin nicht als Kind nach Nashville gekommen, weil ich in Südkalifornien aufgewachsen bin, also habe ich vom CMA Fest erfahren, nachdem ich hierher gezogen bin. Für mich als Künstler war das schon immer eine Sache, die ich auf meiner Wunschliste machen wollte. Im ersten Jahr, in dem ich auftreten durfte, erhielt ich in letzter Minute einen Anruf, dass meine zweite Single „In Case You Didn't Know“ in dieser Woche auf Platz 1 landen würde. Ich war nicht für einen Auftritt im Nissan-Stadion gebucht, aber sie sagten: „Wir können nicht zulassen, dass der Song Nr. 1 im Land nicht aufgeführt wird.“ Sie sagten: „Wir wissen, dass es nur noch zwei Tage sind, aber würde Brett für diesen einen Song auf der Pop-up-Bühne mitten im Nissan-Stadion spielen?“ Ich war damals in North Carolina und die Antwort war offensichtlich ja! Wir fuhren mit dem Bus zurück, ich tauchte auf dieser kleinen Bühne mitten auf dem Spielfeld im Nissan-Stadion auf und durfte den Song Nr. 1 des Landes spielen. Es war echt cool.

Meine schönste Erinnerung ist wahrscheinlich die Zeit als Kind. Es war eine wirklich große Sache, als meine Mutter mich mitnahm, als ich noch sehr jung war. Wir gingen immer dorthin, als es wieder auf dem Messegelände war.

Mein erster Auftritt ist wirklich lange her. Es war eine wirklich kleine Akustikshow. Es war ganz anders, Riverfront bis zum Stadion zu spielen. Es war definitiv etwas, worauf ich mich gefreut habe, und ich erinnere mich, wie cool es war, irgendwo auf einer CMA-Fest-Bühne zu stehen.

Jenseits von Coachella: 10 kleinere Festivals, die für ihre einheimische Stimmung und ihr riesiges Line-up beliebt sind

Foto: Peter Wafzig/Getty Images

Liste

Auf ihrem kürzlich veröffentlichten Album „But Here We Are“ bieten Dave Grohl und Co. ein packendes Geständnis sowohl über den schmerzlichen Verlust als auch über die glühende Widerstandskraft. Zu Ehren ihres 11. Albums greifen wir die zehn wichtigsten Titel der Foo Fighters noch einmal auf.

Foo Fighters – einer der wichtigsten Vertreter des zeitgenössischen Rocks – blickt auf eine fast mythische Geschichte zurück. Was 1994 nach dem verheerenden Ende von Nirvana als Ein-Mann-Band von Dave Grohl begann, hat sich zu einer bahnbrechenden Maschine entwickelt, deren Katalog sich über drei Jahrzehnte erstreckt.

Die Gruppe hält derzeit den Rekord für die meisten GRAMMY-Gewinner in der Kategorie „Bestes Rockalbum“ und erhielt Auszeichnungen im Jahr 2000 (There Is Nothing Left to Lose), 2003 (One By One), 2007 (Echoes, Silence, Patience & Grace). 2012 (Wasting Light) und 2022 (Medicine at Midnight). Bei den GRAMMY Awards 2023 gewann Medicine at Midnight außerdem Auszeichnungen für die beste Rockperformance („Making a Fire“) und den besten Rocksong („Waiting on a War“).

Ihr kürzlich veröffentlichtes 11. Studioalbum „But Here We Are“ ist das erste Projekt der Band nach dem Tod des Schlagzeugers und Sängers Taylor Hawkins im letzten Jahr. Musiker und Fans auf der ganzen Welt trauerten um Hawkins, der 1997 den Foo Fighters beitrat und zu einer treibenden kreativen Kraft in der Gruppe werden sollte. Tributkonzerte in London und Los Angeles, präsentiert von der Familie Hawkins in Zusammenarbeit mit Foo, waren eine würdevolle Hommage an sein Vermächtnis.

Grohl und Co. haben es geschafft, ihre kollektive Trauer auf „But Here We Are“ zu überwinden. Das Projekt dient als packendes Bekenntnis sowohl zum schmerzhaften Verlust als auch zur glühenden Widerstandskraft. Zu Ehren ihres neuesten Unterfangens listet GRAMMY.com 10 der wichtigsten Tracks der Foo Fighters auf.

Das Debütalbum der Foo Fighters erschien ein Jahr nach Kurt Cobains Tod und war voller Versprechen. „Der Verlust von Kurt war weltbewegend und ich hatte Angst vor der Musik, nachdem er gestorben war“, sagte er Anderson Cooper während einer Folge von „60 Minutes“ im Jahr 2014.

Obwohl Grohl darauf beharrte, dass die Platte nur ein Ausdruck der Trauer war, markierte sie den Beginn seiner illustren Karriere. „Big Me“, die letzte zuckersüße Single des Projekts, bewies, dass der Schlagzeuger, der zum Frontmann wurde, ein Händchen dafür hatte, eingängige Melodien zu kreieren, die unbestreitbare Hits werden würden.

Der kitschige Charakter des Titels war darauf zurückzuführen, dass Grohl nicht viel über das Album nachgedacht hatte, aber dieser an sich einfache Ansatz – der sich im Video des Songs niederschlug, das bekanntermaßen Mentos-Werbespots parodierte – war der Beginn von etwas Großartigem.

Einer der bisher aufregendsten Momente der Foo Fighters ist ein Liebeslied. „Everlong“, die zweite Single aus dem zweiten Album der Band, zieht die Zuhörer mit ihren sanften, melodischen Akkorden in ihren Bann und fesselt ihre Aufmerksamkeit mit glühender Percussion und herzzerreißender Lyrik.

Bei „Everlong“ geht es darum, mit einem romantischen Partner so im Einklang zu sein, dass das Ende dieser Beziehung völlig niederschmetternd ist. „Komm runter und verkümmere mit mir“, singt Grohl gelassen. „Down with me/Slow, how you want it to be/I'm over my head/Out of her head, sang sie.“ Er führte es 1998 zum ersten Mal akustisch in „The Howard Stern Show“ auf, was laut Grohl während eines Auftritts beim Oates Song Fest 7908 „dem Lied eine völlig neue Wiedergeburt verlieh“.

„Breakout“ erschien auf dem dritten Album der Band, „There Is Nothing Left To Lose“, und ist voller wilder Punk-Energie, die Grohls Grunge-Wurzeln zum Ausdruck bringt. Während Kritiker das Album lobten und die bemerkenswerte Weiterentwicklung der Foos hin zu melodischeren Hymnen bemerkten, bleibt dieser schnelle, schnelle Hit dem Hype würdig, den er vor über 20 Jahren erhielt.

Der Titel erschien auch in der Komödie Me, Myself & Irene aus dem Jahr 2000 mit Jim Carrey in der Hauptrolle, und mehrere seiner Stars erscheinen im Musikvideo. There Is Nothing Left To Lose war auch die Inspiration für den Radiohit „Learn To Fly“, der im Jahr 2000 den GRAMMY Award für das beste Musikvideo in Kurzform gewann.

Das vierte Studioalbum der Foo Fighters markierte eine turbulente Zeit in der Bandgeschichte. Abgesehen von persönlichen Problemen hatte Grohl gerade Schlagzeug für „Songs for the Deaf“ der Queens of the Stone Age aufgenommen und schloss sich der Gruppe für eine anschließende Tournee an.

Während das Schicksal von Foo unbekannt blieb, gab ein triumphaler Auftritt beim Coachella im Jahr 2002 den Mitgliedern eine neue Perspektive auf ihre Zukunft. „‚Times Like These‘ handelte im Wesentlichen davon, dass die Band für diese zwei oder drei Monate verschwand und ich das Gefühl hatte, nicht ganz ich selbst zu sein“, erklärte Grohl in der Dokumentation „Back and Forth“ der Gruppe aus dem Jahr 2011. „Ich dachte nur: ‚Okay, ich bin noch nicht fertig damit, in der Band zu sein. Ich weiß nicht, ob sie es sind, aber ich bin es nicht.‘“

Mit seiner lyrischen Einfachheit und lähmenden Aufrichtigkeit („In Zeiten wie diesen lernt man wieder zu leben/In Zeiten wie diesen gibt man immer wieder“) verkörpert das Lied Liebe, Zusammengehörigkeit und Hoffnung.

„Ich muss noch ein Geständnis machen/Ich bin dein Narr“, heult Dave Grohl lauthals beim fesselnden Anfang von „Best of You“. Auf seine Erklärung folgt die existentielle These: „Wurdest du geboren, um Widerstand zu leisten oder missbraucht zu werden?“

Die Lead-Single von „In Your Honor“ ist voller Emotionen, in der der Foo-Frontmann lebhaft trotzig ist und diejenigen, die seinen Worten zuhören, dazu ermutigt, dasselbe zu tun. Dieses Gefühl war politisch motiviert, da „Best of You“ geschrieben wurde, nachdem Grohl mehrere Auftritte im Präsidentschaftswahlkampf der Demokraten für John Kerry im Jahr 2004 hatte.

„Es ist kein politisches Album, aber was ich gesehen habe, hat mich inspiriert“, sagte er 2005 dem Rolling Stone. „Es geht darum, sich von den Dingen zu lösen, die einen einengen.“ „Best of You“ ist ihr einziger Song in den USA, der Platinstatus erreicht hat.

Einer der Songs mit den höchsten Charts der Gruppe war „The Pretender“ aus „Echoes, Silence, Patience & Grace“ aus dem Jahr 2007. Grohls Songwriting auf dem Track hat makabere Ausmaße, da einleitende, feierliche Akkorde in den Text übergehen: „Send in your Skeletons/Sing as Their Bones Go Marching In Again/They Need You Buried Deep/The Secrets That You Keep Are Ever Ready.“ "

Härtere Riffs und pulsierende Percussion machen es zu einem echten Hörerlebnis. Perfekt getaktete Crescendos verleihen „The Pretender“ genau die richtige Spannung und machen es zu einem unauslöschlichen Teil der Foo-Diskographie.

Im Jahr 2012 erhielt Wasting Light vier GRAMMY Awards, darunter den Preis für das beste Rockalbum. „White Limo“ erhielt die Auszeichnung für die beste Hard Rock/Metal-Performance – und das aus gutem Grund.

Die zweite Single aus dem siebten Studioalbum der Foo Fighters ist eine wilde Nummer voller Urschreie und wirbelnder Rhythmen. „White Limo“ war einer ihrer lautesten Songs bisher und die Gruppe hinterlässt bei Motörhead ihren besten Eindruck (Lemmy Kilmisters Auftritt im Musikvideo dient als ultimatives Gütesiegel). Die Gruppe war bestrebt, ihre Aggressivität auf dem Heavy-Metal-Track zu maximieren und „White Limo“ zum klanglichen Äquivalent eines Blitzes in ihrem riesigen Katalog zu machen.

Bei „Concrete and Gold“ von 2017 ging es nicht so sehr darum, das Rad neu zu definieren, sondern vielmehr darum, es zu perfektionieren. Das neunte Studioalbum der Gruppe ist Rock'n'Roll, wie es nur geht.

Es gab eine Reihe unvergesslicher Gastauftritte, darunter Paul McCartney in „Sunday Rain“, Shawn Stockman von Boyz II Men in „Concrete & Gold“ und Alison Mosshart von den Kills in „The Sky Is a Neighborhood“ und „La Dee Da“.

Der beste Titel des Albums, „Make It Right“, enthält einen nicht im Abspann aufgeführten, klanglich abstoßenden Cameo-Auftritt von Justin Timberlake. Doch der Vorstoß der Zusammenarbeit in schwierigeres Terrain zahlt sich aus, denn Grohl zollt Led Zeppelin Respekt. Der Einfluss der Rocklegenden spiegelt sich in „Make It Right“ in Form von rauhen Sticheleien und splitternden Riffs wider. Timberlake schleicht sich mit zusätzlichem Gesang in den Hintergrund und achtet darauf, Foos Formel in keiner Weise zu verändern.

Das zehnte Album der Foo Fighters, Medicine at Midnight, war für die Rocker eine erfrischende Rückkehr zur Form.

Ausgelöst durch ein Gespräch von Grohls Tochter verkörperte „Waiting on a War“ die Nachdenklichkeit der Gruppe über die bedrohliche Zukunft Amerikas. Vier Minuten lang erklärt Grohl, dass er „darauf wartet, dass der Himmel fällt“, obwohl sich seine melancholischen Gedanken schließlich von wehmütigem Gesänge über Akustikgitarrenakkorde in ein grollendes, wildes Outro mit voller Kehle verwandeln. Foos mutiger Ansatz brachte ihnen 2022 einen GRAMMY Award für den besten Rocksong ein.

Die Kraft in „Rescued“, der emotionsgeladenen ersten Single von But Here We Are, beruht nicht nur auf den Texten, die das Gefühl der Verzweiflung zum Ausdruck bringen, sondern auch auf Grohls Ausdrucksweise.

„Wir sind alle bis zu einem gewissen Grad frei/um unter den Lichtern zu tanzen“, singt er. „Ich warte nur darauf, gerettet zu werden/mich wieder zum Leben zu erwecken.“ Seine Stimme schwankt zwischen Müdigkeit und Kraft, während wirbelnde Gitarren und ätherische Ansammlungen sowohl für die Band als auch für den Zuhörer Katharsis bewirken. Die Verletzlichkeit von „Rescued“ spiegelt das faszinierende Selbstbewusstsein wider, das auf Alben wie „The Color and The Shape“ und „In Your Honor“ zu hören ist. Aber dieses Lied stellt ein brandneues Kapitel für Foo dar und stellt ihren Schmerz direkt dar.

Foo Fighters sind ein unzerstörbarer Musik-Moloch. Aber der Tod von Taylor Hawkins zeigt, dass sie auch Menschen sind.

Foto: Caity Krone

Interview

Während Lizzy McAlpine den US-Teil ihrer Tour beendet, blickt die „Ceilings“-Sängerin darauf zurück, wie ihr Song viral ging, wie sie in „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ auftrat, als Headliner einer ausverkauften Tournee auftrat und bei einem großen Plattenlabel unterschrieb .

Lizzy McAlpine ist eine erfahrene Geschichtenerzählerin, die für ihr offenes und sympathisches Songwriting in Genres von Pop bis Indie-Folk bekannt geworden ist. „Während ich als Songwriterin gewachsen bin und mich weiterentwickelt habe, konnte ich die Verletzlichkeit etwas mehr durchscheinen lassen und habe weniger Angst davor, genau zu sagen, was mir durch den Kopf geht“, sagt sie aus Los Angeles über einen Zoom-Anruf.

Offenbar schätzen die Zuhörer ihre Ehrlichkeit.

Seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums „Give Me A Minute“ im Jahr 2020 hat McAlpine Hunderte Millionen Zuhörer zu treuen Fans gemacht. Nach der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „Five Seconds Flat“ scheint ihre Popularität sprunghaft angestiegen zu sein. Ihr Hit „Ceilings“ erreichte Platz 54 der Billboard Hot 100-Charts, erreichte 230 Millionen Streams und kletterte auf Spotify, wurde mit Gold ausgezeichnet und inspirierte zu einer TikTok-Challenge, die zu über 742.000 Posts mit einer beschleunigten Version des Songs führte . Sie trat kürzlich in „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ auf und unterschrieb bei RCA Records. Die zweite Etappe ihrer Tournee war sofort ausverkauft.

„Obwohl die Erfahrungen, die wir alle machen, universell sind, kann es sich im Moment isolierend anfühlen“, sagt der 23-jährige in Philadelphia geborene Musiker. „Ich hoffe, dass sich die Menschen durch das Hören meiner Lieder weniger allein fühlen und eine gesunde Möglichkeit haben, ihre Gefühle auszudrücken.“

Mit ihrer sanften, aber stetigen Stimme singt McAlpine von einem Ort aus, an dem sich die meisten von uns am wenigsten wohl fühlen – einem Ort der Unsicherheit, des Widerspruchs und der Entdeckung – was sich in Zeilen wie „Es ist nicht so, dass ich dich hasse, ich hasse es, dass es weh tat“ widerspiegelt. und „Ich habe versucht, ehrlich zu sein, aber jetzt denke ich, ich hätte einfach lügen sollen.“ Instrumental ist „Five Seconds Flat“ mit elektronischen Elementen, Streichern, Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Hörnern überlagert. Doch McAlpine möchte sich nicht in eine Stil-Schublade stecken lassen: „Meine Alben spiegeln nur wider, wer ich zu dieser Zeit bin.“

Nach Abschluss einer 27 Shows umfassenden internationalen Tournee am 11. September wird McAlpine zurück ins Studio gehen, um an ihrem dritten Album weiterzuarbeiten – und an neuen Zielen zu arbeiten, einschließlich der Rückkehr zur Schauspielerei auf der Bühne oder auf der Leinwand („Ich werde es buchstäblich nehmen „irgendetwas. Ich vermisse es so sehr“), den Aufbau einer Welt rund um ihr kommendes Album durch Visuals und Fanerlebnisse und den Kauf eines Hauses. Aber zuerst besprach sie mit GRAMMY.com ihre jüngsten Karrierehöhepunkte.

Ich war auf jeden Fall überrascht. Ich erwarte nicht, dass einer meiner Songs virale Momente hat. Wenn es passieren wird, wird es passieren, und ich werde es nicht verfolgen oder versuchen, es möglich zu machen. Außerdem war dies keine Single, sondern nur auf dem Album, und daher hatte ich definitiv nicht erwartet, dass dieser Song bei den Leuten so großen Anklang finden würde wie er.

Ich versuche, einfach über Dinge zu schreiben, die mir passiert sind. Anscheinend ist es universell – ich habe Dinge durchgemacht, die jeder durchzumachen scheint, und ich habe sie in Worte gefasst. Ich denke ständig über meine Gefühle nach. Ich schreibe ständig Tagebuch; Ich muss über ein Gefühl schreiben, bis ich es verstehe. Das gehört für mich auch zum Songwriting. Es geht darum, über Dinge zu schreiben, die ich erst verstehe, wenn ich sie verstehe. Und ich habe das Gefühl, dass sich viele Menschen damit identifizieren.

Ich mache keine verrückten Erfahrungen, die noch niemand zuvor in seinem Leben gemacht hat. Ich neige einfach dazu, Wege zu finden, über die Dinge zu sprechen, die ich erlebt habe, manchmal Gefühle, die schwer in Worte zu fassen sind, und auf eine Weise, über die nicht viele Menschen gesprochen haben. Ich denke, die Menschen verbinden sich mit der Realität und der Ehrlichkeit.

[Den „Decken“-TikTok-Trend zu bemerken] war für mich eine allmähliche Sache. Ich kann mich nicht erinnern, welches Video ich zuerst gesehen habe, aber ich sah, wie der beschleunigte Ton auf TikTok ein wenig Anklang fand, und dann fing ich an, mir die Videos anzusehen, und von da an ging es wie ein Schneeball. Ich hatte es nicht erwartet. Es war wild.

Ich war schon früher in der Welt der Late-Night-Talkshows dabei, aber dies war die erste Talkshow-Erfahrung seit mindestens einem Jahr, die ich hatte. Ich hatte so viel Spaß. Ich werde nervös, bevor ich irgendwo auftrete; Es spielt keine Rolle, wer zuschaut. Aber ich war überhaupt nicht so nervös. Jimmy war so nett. Wir haben den Teil gemacht, wir haben ihn gefilmt. Und am Ende sagte er: „Lassen Sie es mich wissen, wenn Sie sich die Mixe noch einmal anhören möchten. Wir möchten sicherstellen, dass es Ihnen gefällt.“ Es hat einfach Spaß gemacht, am Set zu sein und den Song einem echten Publikum vorzuführen.

Ich würde nicht sagen, dass dies der Wendepunkt auf dem Weg zu größerer Anerkennung war. Ich kann keinen genauen Zeitpunkt benennen, an dem die Veränderung begann, aber es war immer ein allmähliches, bergauf verlaufendes Wachstum, und das ist es, was ich möchte. Ich strebe nicht danach, über Nacht Erfolg zu haben. Ich möchte eine langfristige Karriere. Deshalb versuche ich, es schrittweise und mit Absicht aufzubauen. Das war ein Schritt auf dem Weg.

Ein von Lizzy (@lizzymcalpine) geteilter Beitrag

Zuerst war ich völlig davon überzeugt, dass alle Tickets von Bots oder Betrügern oder so etwas gekauft wurden und dass sie auf keinen Fall so schnell ausverkauft sein konnten. Ich war erst überzeugt, als ich bei der ersten Show die Bühne betrat und echte Menschen im Publikum sah. Es war surreal.

Da dies insbesondere die zweite Etappe der Fünf-Sekunden-Flat-Tour ist, wollten wir sie von der ersten Tour unterscheiden, damit die Leute, die ein zweites Mal kommen, nicht das Gleiche bekommen. Und wir wollten es auch produktionstechnisch verbessern, weil wir jetzt über die Mittel dazu verfügen. Wir haben ein ganzes Set. Wir haben Wände und eine Couch. Wir haben Beleuchtung. Es fühlt sich im Grunde wie ein Wohnzimmer an, das war mein Entwurf und ich wollte, dass es sich heimelig und intim anfühlt, weil das meine Atmosphäre ist. Ich interagiere mit den Möbeln und Lampen und bewege mich im Set. Ich bin mir ziemlich sicher, dass bei der letzten Tour nur ein Teppich auf der Bühne stand – und das war’s. Aber das ist alles, was wir uns leisten konnten. Jetzt fängt es an, sich wie eine echte Produktion anzufühlen.

Es gibt für mich viele herausfordernde Teile des Tourens. Meine Tasse ist schon ziemlich leer – ich habe nicht viel soziale Energie. Das Reisen kostet mehr, und dann noch mehr das Aufführen, so dass ich am Ende des Tages, jeden Tag, nichts mehr übrig habe. Wenn ich einmal auf der Bühne stehe, ist es manchmal einfach, in diese Art des Auftritts zu wechseln. Aber danach ist es hart für meinen Geist und meinen Körper.

Es ist zwar schwer, aber es gibt offensichtlich lustige Momente. Ich liebe mein Team so sehr. Meine Band und die Crew sind so nett und es macht so viel Spaß, mit ihnen zusammen zu sein. Meine schönsten Momente auf der Tour waren bisher mit ihnen.

Ein von Lizzy (@lizzymcalpine) geteilter Beitrag

Abgesehen davon, dass die Tour dieses Mal ein höheres Niveau erreicht, scheint dies auch der richtige Zeitpunkt zu sein, zu einem Major-Label zu wechseln. Ich hatte kurz vor Ablauf der fünf Sekunden darüber nachgedacht, wollte aber noch etwas länger durchhalten. Dieses Album schien nicht das richtige Album für einen Major zu sein. Es war eine Bauchsache. Und jetzt habe ich das Gefühl, dass ich am Rande von etwas stehe und diese Entscheidung, bei RCA zu unterschreiben, treibt mich definitiv dazu.

Ich möchte in meinem Leben und meiner Karriere viele Dinge tun und erreichen. Dies ist ein Schritt in Richtung all dieser Ziele. Ich war bereit, diesen Schritt zu tun.

Ich arbeite an meinem dritten Album und es hat lange gedauert, aber es ist endlich auf dem Weg. Alle meine Alben werden anders klingen, weil ich immer ein anderer Mensch sein werde, wenn ich sie mache. Wer ich jetzt bin, tendiert mehr zu 70er-Jahre-inspirierten Klängen wie Elliott Smith and the Smiths und solchen Künstlern. Eine große Inspiration für dieses Album ist Andy Shauf – seine Musik ist unglaublich. Ganz nach 70er-Jahre-Sound, live, rauer und weniger gestimmt und perfektioniert. Ich möchte, dass sich das nächste Album authentischer anfühlt. Nicht, dass meine bisherigen Sachen nicht authentisch geklungen hätten, aber ich tendiere eher zu einem weniger sauberen, weniger ausgefeilten Klang.

Arlo Parks darüber, wie Geduld, Film und Verlieben „meine weiche Maschine“ geformt haben

Foto: Le3ay

Interview

Drei Jahre später begann Madison Beer ihr nächstes Kapitel mit „Home to Another One“, der ersten Single aus ihrem zweiten Album. Die Sängerin beschreibt detailliert ihren „befreienden“ Weg zur Entstehung von „Silence Between Songs“.

Im heutigen viralen Zeitalter ist es nicht immer schwer, Internet-Persönlichkeiten zu finden. Aber was nicht so leicht zu finden ist, ist eine Internet-Persönlichkeit mit Langlebigkeit – und Madison Beer hat bewiesen, dass sie mehr als ein flüchtiger viraler Star ist.

Beer begann 2012 damit, Cover-Songs auf YouTube zu veröffentlichen und stellte damit bereits im Alter von nur 13 Jahren ihr Pop-Können und ihren ätherischen Gesang unter Beweis. Nachdem Justin Bieber sie im selben Jahr bei Island Records unter Vertrag genommen hatte, schlug sie kurzzeitig die Karriere eines Teenie-Popstars ein, fand sie aber zunächst wahre musikalische Stimme auf ihrer Debüt-EP As She Pleases aus dem Jahr 2018. Und als sie mit ihrem Debütalbum „Life Support“ aus dem Jahr 2021 die volle Kontrolle übernahm – als Co-Autorin und Co-Produzentin aller 17 Songs –, gewöhnte sie sich voll und ganz an die Künstlerin Madison Beer.

Beer steht nun kurz vor der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „Silence Between Songs“ (erscheint am 15. September über Epic Records) und möchte die Mischung aus unerschütterlicher Verletzlichkeit und ansteckenden Melodien, die sie seit ihrem Einstieg in die eigene Welt zeigt, weiter ausbauen. Einen Vorgeschmack darauf gab sie zum ersten Mal mit „Home to Another One“, einem luftigen Track, der eine Mischung aus Lana Del Rey und Tame Impala ist – zwei ihrer größten Inspirationen, von denen ersterer Beer sogar Feedback zum Album gab.

Del Reys Zustimmung ist einer der vielen Gründe, warum Silence Between Songs für Beer etwas Besonderes ist, zusammen mit der Tatsache, dass sie erneut jeden Song mitgeschrieben und mitproduziert hat. Aber der vielleicht wichtigste Aspekt des Projekts ist die Freiheit, die sie in dem fast dreijährigen Prozess gefunden hat.

„Als Künstler wird uns manchmal gesagt, wenn wir eine Pause machen, wird dich jemand ersetzen, jemand kommt direkt hinter dich“, sagt Beer. „Ich abonniere das nicht mehr, und ich denke, das war eine wirklich befreiende Sache.“

Beer sprach mit GRAMMY.com darüber, wie die stärkere Verwurzelung in ihrem Privatleben die neue Musik inspirierte und warum sie trotz ihres Online-Ruhms „eigentlich manchmal ziemliche Angst vor dem Internet hat“.

Herzlichen Glückwunsch zur Veröffentlichung von „Home to Another One“ und zur Albumankündigung. Ich stelle mir das nervenaufreibend vor, weil man nie wirklich sicher ist, wie die Dinge wahrgenommen werden. Wie ist es, endlich alles rauszubringen?

„Home to Another One“ habe ich eigentlich erst vor sechs Monaten gemacht, es war also eine der letzten Ergänzungen zum Album, bevor ich es abgegeben habe. Es war kein allzu schmerzhafter Warteprozess wie bei den anderen. Aber ich denke, die Enthüllung des Albumtitels war für mich tatsächlich die intensivste. Ich sitze seit drei Jahren daran, daher fühlt es sich ziemlich surreal an, es da draußen zu haben. Aber die Reaktionen der Leute waren wirklich positiv und die Leute sind aufgeregt, wofür ich so dankbar bin.

Es ist ein etwas neuer Sound für mich; Es hat eine andere Energie als meine anderen Lieder. Aber die echten Fans, die sich meine Interviews anhören oder mich auf Tour sehen, wissen, dass mein Musikkatalog an Dingen, die ich höre, ziemlich elektrisierend oder anders ist; Es gibt nicht nur ein Genre, das ich liebe. Ich kann nichts tun, was sie wirklich überraschen würde, weil sie wissen, dass ich alle Arten von Musik liebe.

Albumtitel und Titel im Allgemeinen sind immer schwierig. Erzähl mir, wie du auf Silence Between Songs gekommen bist?

Ich war noch sehr jung, als ich zum ersten Mal ein Gedicht oder ein Buch über eine solche Idee sah. Es ging darum, jemanden zu vermissen, und es hieß: „Ich vermisse dich so sehr in der Zeit, die es braucht, bis das nächste Lied beginnt.“

Ich fand das immer ein cooles Konzept und wollte diese Idee für mein Debütalbum umsetzen. Aber als wir 2020 mit der Erstellung des Albums begannen, war der Song „Silence Between Songs“ einer der ersten, den wir kreierten, also war es der erste Titel, den ich im Sinn hatte. Daran haben wir gearbeitet, und jetzt, drei Jahre später, hat es für mich die richtige Bedeutung. Ich bin so sehr gewachsen, seit ich angefangen habe, daran zu arbeiten, und auf dem Album geht es wirklich darum, wie man wachsen kann, indem man den Lärm ausblendet.

Es ist ein Beweis für den Titel, dass Sie drei Jahre lang dabei geblieben sind und nichts ihn überholt hat. Wie haben Sie festgestellt, dass Sie sich beruhigen und den Lärm ausblenden können?

Auf jeden Fall ist der Titel seitdem für mich nicht mehr verhandelbar. Aber nach der Tour fällt es mir schwer, abzuschalten und zur Ruhe zu kommen. Es fiel mir tatsächlich schwer, von meiner letzten Tour zurückzukommen und in die Realität zurückzukehren; Du bist einfach so wahnsinnig beschäftigt und es ist jeden Tag so ein Dopaminstoß. Es war ein bisschen schwierig, wieder zur Ruhe zu kommen, aber in diesen Momenten lerne ich am meisten über mich selbst.

Jetzt priorisiere ich meine Zeit alleine und meine Ausfallzeiten; Ich lasse meinen Körper ruhen und fühle mich nicht gezwungen, ständig rauszugehen und Dinge zu tun. Wenn ich das ganze Wochenende zu Hause bleiben und im Bett entspannen möchte, mache ich das. Ich versuche die Ausfall- und Ruhezeiten zu verstehen und mich nicht schuldig zu fühlen.

Als Künstler wird uns manchmal gesagt, wenn wir eine Pause machen, wird dich jemand ersetzen, jemand kommt direkt hinter dich. Ich abonniere das nicht mehr und ich denke, das war eine wirklich befreiende Sache.

Ein von Madison Beer (@madisonbeer) geteilter Beitrag

Hatten Sie deshalb das Gefühl, Sie müssten weitermachen?

Ich glaube, in der Vergangenheit kam es darauf an, ob die Leute, mit denen ich zusammengearbeitet habe, oder die Leute online waren; Diese Vorstellung, wer immer bereit sein wird, mehr zu tun als man und alles tun wird, und wenn man das nicht tut, wird man ersetzt. Das war eine echte Angst, die ich schon lange hatte. Das lasse ich aber nicht mehr zu. Ich wurde von einem Label gestrichen und ersetzt, die Angst ist also real und ich hatte lange Zeit große Angst davor. Aber ich bin es nicht mehr.

Haben Sie manchmal Angst, zu viel oder zu wenig von sich preiszugeben? Für einen Künstler mag zu viel wie übermäßiges Teilen erscheinen; aber zu wenig, Sie sind nicht ganz ehrlich. Wo ist für Sie das Gleichgewicht und wie haben Sie es geschafft?

Es ist auf jeden Fall interessant, darüber zu diskutieren, denn in der heutigen Zeit der sozialen Medien stehen viele von uns unter dem Druck, sympathisch und sympathisch zu sein. Aber auch hier mache ich mir keinen solchen Druck, denn ich glaube, dass ich nicht der Typ Mensch bin, der jeden Tag aufwacht und das Bedürfnis verspürt, ein Video über diese persönlichen Dinge zu machen. Ich bin bereit, es zu tun, wenn ich Lust dazu habe, aber ich halte es für unecht, mich dazu zu zwingen, nur um gemocht zu werden. Deshalb versuche ich, einfach zu posten, wenn mir danach ist. Ich denke, meine Fans kennen mich und meine Fans lieben mich. Ich muss nicht die Herzen der breiten Öffentlichkeit gewinnen, um meine Musik bekannt zu machen und anzunehmen. Ich möchte mich nie dazu zwingen, etwas zu tun, was ich nicht tun möchte.

„Home to Another One“ ist eine melancholische Hymne mit Breakdown. Ich frage mich, was die Entstehung dieses Liedes war?

Nun, ich dachte: „Was ist mein Pop-Sound?“ Wenn ich in der Vergangenheit fröhliche Songs gemacht habe, waren sie für mich vielleicht nicht so authentisch, oder Songs, die ich nicht ins Auto gesetzt hätte und die ich mir nicht anhören wollte. Also dachte ich: „Was kann ich machen, das poppig ist und Spaß macht, aber trotzdem ich selbst bin und nicht ausverkauft ist, um einen Song zu machen, der als optimistisch eingestuft wird?“

Als ich es hörte, erinnerte es mich stimmlich so sehr an Lana Del Rey. Wäre das fair zu sagen?

Definitiv. Ich bin ein riesiger Fan von ihr und ich habe das Gefühl, dass sie auf eine Weise in mich integriert ist, die ich nicht einmal genau beschreiben kann.

Wenn Sie als Co-Produzent Musik schreiben, wissen Sie dann von Anfang an, wohin sich Ihre Songs stilistisch entwickeln werden? Was ist Ihr Prozess?

Ich bin Co-Produzent aller Songs, was ein weiteres großartiges Unterfangen von mir war. Ich habe das Glück, mit meinem großartigen Produzenten Leroy Clampitt zusammenzuarbeiten, der bereit und wirklich begierig ist, meine Meinung zu hören, und möchte, dass ich alles mitproduziere.

Es ist nicht wirklich kalkuliert, glaube ich. Es fließt einfach wirklich. Es ist irgendwie schade, dass wir bei der Produktion keine Kamera im Raum hatten, denn ich war wirklich in jedes einzelne Geräusch verwickelt, das man hört. Meine Beziehung zu Leroy ist wirklich etwas Besonderes, weil ich ein Geräusch machen kann wie „mmmm“, und er weiß, was ich meine. Alles ist sehr sorgfältig geplant, aber es heißt nicht: „Ich will diese Art von Synthesizern.“ Wir lassen das Lied fließen. und bauen, während wir gehen.

Viele Künstler gelten als Co-Autoren von Songs, aber nicht viele werden als Co-Produzenten bezeichnet. Warum war es für dich wichtig, als Co-Produzent deiner eigenen Tracks genannt zu werden?

Da ich jetzt seit mehr als fünf Jahren mit demselben Produzenten arbeite, habe ich das Gefühl, dass ich meine Meinung äußern kann und es nicht seltsam ist. Leroy war derjenige, der so freundlich war zu sagen, dass er meinte, ich sollte einen Co-Produzenten-Kredit bekommen. Er sagte: „Du hast genauso viel getan wie ich.“ Alle Ideen stammen von mir und uns, und wir machen alles gemeinsam.

Ihr Debütalbum erschien vor ein paar Jahren und Sie haben 2020 mit der Arbeit daran begonnen. Warum ein so langer Prozess?

Es sollte nicht sein. Die Zeit vergeht einem, und ich bin auf jeden Fall oft ins Studio zurückgekehrt, um Dinge zu überarbeiten und zu bearbeiten. Wir hatten mehrere Probepressungen der Vinylplatte, und oft dachte ich, sie sei fertig, und ging dann wieder hinein.

Ich weiß nicht, ich habe das Gefühl, dass ich so bin. Ich bin nie wirklich übermäßig zufrieden. Aber mein Ziel ist es jetzt, innerhalb des nächsten Jahres oder so nach der Veröffentlichung dieses Albums ein Album herauszubringen. Ich möchte in den Rhythmus kommen, die Musik häufiger fallen zu lassen und keine dreijährigen Pausen zwischen all dem einzulegen.

Sie haben eine enorme Internetpräsenz, allein auf Instagram haben Sie 34 Millionen Follower. Ist eine solche Gefolgschaft ein Geschenk oder eine Belastung? Wie kommen Sie im Kopf damit zurecht, wenn Sie wissen, dass Sie zum Telefon greifen und etwas für ein Millionenpublikum posten können?

Ich habe seit 12 Jahren stetig an Blüten zugenommen, also ist das bei mir nicht über Nacht passiert. Es gibt einen großen Unterschied in der Art und Weise, wie ich heute vorgehe, im Vergleich zu vor ein paar Jahren. Ich zwinge mich nicht dazu, ständig engagiert zu sein oder jeden Tag etwas zu posten.

Ich habe tatsächlich manchmal ziemliche Angst vor dem Internet. Die Art und Weise, wie es sich bewegt, kann wirklich beängstigend sein, und ich denke, wir geben uns gegenseitig keinen Raum für menschliche Fehler. Wenn ich online eine Meinung kundgebe oder etwas sagen möchte, ist es mir nicht egal, was die Leute dazu sagen, aber ich weiß, dass es meine Absichten sind. Ich werde nie jeden ansprechen und jedem gefallen, aber ich weiß, dass es authentisch ist und von einer guten Seite kommt, wenn ich sprechen und etwas mitteilen möchte.

Kesha enthüllt die 10 wichtigsten Songs ihrer Karriere, von „Tik Tok“ bis „Eat The Acid“